Известные художники 20 века

В конце 2010-х годов британская газета «The Times» провела опрос среди полутора миллионов читателей, на основании которого был составлен рейтинг 200 самых лучших художников, творивших в XX и XXI веке.

10 самых дорогих картин XX века

Не каждый из нас может оценить подобные картины по заслугам и обнаружить в них тайный смысл. Однако стоимость этих картин порою достигает запредельных высот, и коллекционеры со всего мира съезжаются на торги, чтобы выкупить понравившееся полотно.

AdMe.ru делится с вами 10 произведениями искусства, которые были проданы за десятки миллионов.

«Оранжевый, красный, желтый»

Марк Ротко, 1961
Стоимость: $ 86,882 млн

Автор рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», — и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной.

Джексон Поллок, 1948
Стоимость: $ 140 млн

Ценность работ Поллока — не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком

False start

Джаспер Джонс,1959
Стоимость: $ 80 млн

Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. Художник будто играет со зрителем, часто неверно подписывая цвета на картине.

«Супрематическая композиция»

Казимир Малевич,1916
Стоимость: $ 60 млн

В Городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха.

«Спящая девушка»

Рой Лихтенштейн,1964
Стоимость: $ 44,882 млн

Рой Лихтенштейн стал известным благодаря картинам на основе комиксов, к которым он пришел в начале 1960-х, когда ему было уже около 40. Главное, чего хотел добиться Лихтенштейн, — чтобы его картины выглядели как напечатанные, а не созданные человеком. Отсюда их главная особенность — использование лишь нескольких типографских цветов, черная линия и точки, с помощью которых художник добивался тени и глубины изображения.

Хуан Миро,1927
Стоимость: $ 36,824 млн

Другое название картины — «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись», — и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором.

Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать

Высокое искусство — вещь сложная и для многих непонятная. Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем. Обилие обнаженных людей на картине — еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.

AdMe.ru узнал ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.

1. Действительно ли живопись так дорого стоит?

То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги — удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает, что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.

Искусством правят бренды

Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси. Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси — художник, работы которого оцениваются многозначными суммами. Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.

Бэнкси — это бренд, а бренды отлично продаются. Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.

Успешная продажа одной картины — залог успеха других

Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.

Это интересно:  Древнегреческий художник с острова Фасоса

Редкость, малочисленность, уникальность

Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин — всего 36. Художник писал довольно медленно. Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн. Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.

Легендарный Ван Гог — это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст. Его работы уникальны.

10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет, и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса — неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.

В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги за предметы исключительно редкие.

Новаторство стоит дорого

Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».

Фотохудожник Ричард Принс придумал переснять из журнала чужое фото ковбоя в рекламе, убрав все надписи. Такая несусветная наглость получила широкий резонанс и. признание. Принс стал считаться создателем нового направления в искусстве — Appropriation Art (художественное заимствование). Смелый жест фотографа превратился в $ 3 млн — именно за столько был продан снимок «Ковбой».

Если бы «Черный квадрат» Малевича вдруг оказался на рынке, за него бы развернулась нешуточная борьба кошельков. И бились бы покупатели не за схематичную геометрическую фигуру на холсте. Они сражались бы за революционную идею, свежую и ранее неизвестную вещь, икону авангарда, которая определила дальнейшее развитие живописи ХХ века. В 1915 году, когда была создана картина, дамы еще носили шляпки, бюстгальтер считался эпатажной новинкой, а на престолах Европы сидели короли. И тут — вы только представьте! — появляется Малевич со своим шокирующим квадратом.

Живопись берет на себя функцию достопримечательности

Сегодня растет уровень культурного туризма, и живопись выполняет функцию достопримечательности. В известные музеи выстраиваются многочасовые очереди из туристов. И чтобы заявить о себе и претендовать на славу мирового уровня, галерее нужно непременно владеть подлинниками знаменитых и популярных живописцев.

Растут и искусственно создаваемые центры культурного туризма, например на Ближнем Востоке и в Китае. Недавно королевская семья Катара заключила частную сделку на сумму $ 250 млн — все ради того, чтобы страна обладала картиной Сезанна «Игроки в карты».

Когда есть все, начинает тянуть на искусство

В 2017 году миллиардер Дмитрий Рыболовлев продал эту картину Леонардо да Винчи за $ 450 млн. Теперь это самая дорогая сделка в мире живописи.

Когда у тебя есть 4 дома и самолет G5, то что еще остается делать? Остается только вкладывать деньги в живопись, ведь это одна из самых прочных «валют».

Согласно данным за 2015 год, в мире насчитывается 34 млн долларовых миллионеров. И даже если представить, что только 1 % из них интересуется искусством, то получится, что на свете живут 340 тыс. человек, готовых выкладывать круглые суммы за картины. А самих картин известных авторов, как мы писали выше, совсем немного, особенно по сравнению с количеством миллионеров. Кроме того, даже те, кто не интересуется живописью, готовы вкладываться в нее ради престижа или стабильности такого вложения.

Вот и выходит, что дороговизна живописи во многом обусловлена тем, что слишком большое количество денег охотится за малым количеством товара.

2. Всем ли картинам нужны рамы?

Картина Жоржа Сёра «Канал в Гравлине, Большой Форт-Филипп».

В книге Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей» говорится о назначении рам. Так, они защищают края картины и привлекают к ней внимание. Некоторые рамы вычурные, другие совсем простые, они не отвлекают от созерцания. Предназначение рамы — дополнять картину и показывать ее наилучшим образом.

А вот художник-абстракционист Пит Мондриан сравнивал рамы со стеной, которая стоит между зрителем и картиной. Ему хотелось убрать это чувство дистанции. И художник писал на самых краях полотен и даже на боковине.

Жоржу Сёра не нравилась тень, которую отбрасывают рамы на картину. И он часто сам изображал рамы из крохотных точек разных цветов. Кстати, по похожему принципу картин Сёра через полвека станет работать цветной телевизор.

3. Почему на картинах так много голых людей?

Фрагмент фрески Микеланджело «Сотворение Адама».

Еще древние греки считали, что обнаженное тело — это невероятно красиво.

В искусстве чаще всего нагота — это символ. Символ новой жизни, искренности, беспомощности живого существа, а также жизни и смерти.

Кроме того, ничто не вызывает такие сильные эмоции у зрителя, как нагота. Это может быть интерес, неловкость, стыд или восхищение.

Это интересно:  Баулин Сергей Алексеевич художник

4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?

Картина чешского художника Богумила Кубишты «Гипнотизер».

Пожалуй, одно из самых частых обвинений в адрес современных мастеров звучит так: художники разучились похоже передавать действительность. Отсюда и заблуждение, будто предметы выглядят плоскими.

Но посмотрим, например, на полотна кубистов. Они ломают перспективу, но изображают предметы одновременно под разными углами и даже в разный момент времени. Поэтому нельзя сказать, что изображение на полотне двухмерное.

Рисовать «похоже» уже не надо — это может сделать фотография. Поэтому искать ответ на вопрос, почему художник на той или иной картине изобразил реальность плоской, нужно в самой задумке автора. Убирая одни детали изображения, художник акцентирует внимание на других. Упрощая изображение, он делает его более выразительным.

5. Художники XIX–XX веков не умели «нормально» рисовать? Или они это нарочно?

В XIX веке зародился стиль живописи под названием примитивизм, или наивное искусство. Его представители упрощали картину и делали формы примитивными, будто детские рисунки или первобытное искусство. Картины некоторых примитивистов вошли в сокровищницу мирового искусства и произвели сильное впечатление на своих современников. И это несмотря на то, что у художников наивной живописи не было академического образования. Пиросмани и Руссо были всего лишь самоучками, но их картины привлекли тех, кто повидал уже все и кому наскучила традиционная живопись. Такие картины были как глоток живительной простоты.

А вот профессиональные художники-авангардисты XIX–XX веков имели за плечами художественное образование и сильную базу. Они умели писать как угодно, но в какой-то момент решили это делать вот так, подражая примитивистам. Как говорится, так было задумано, ведь это совершенно новый (а значит, интересный для тех, кто устал от старого) способ воздействия на зрителя.

Художники прекрасно справились бы с картиной в духе академического классицизма, и именно поэтому для них это было скучно. Юный Пикассо писал трогательные и довольно реалистические портреты. А вот зрелый художник выбрал для себя путь, который шокирует, бодрит глаз, который помогает продемонстрировать крутое колористическое чутье и ощущение формы.

6. Должны ли картины непременно быть красивыми?

Красиво не значит искусство, и само искусство не всегда изображает красоту. Представление о прекрасном у каждого разное, и мнение отдельно взятого человека не может считаться эталоном.

Отвлечемся от живописи и проведем параллель с кино. Среди искусствоведов встречаем такое мнение: утверждать, что картины непременно должны быть красивыми, — то же самое, что говорить, будто настоящее кино — это только романтическая комедия или мелодрама с хеппи-эндом. А психологические драмы, боевики, триллеры — это и вовсе не кино. Согласитесь, логика в этом есть.

Искусство (и живопись в том числе) должно говорить на языке своего времени. И чтобы насладиться любой картиной, даже реалистичной, нужно знать, что на ней изображено. На выставках мы обычно читаем подписи к полотнам и даже пользуемся аудиогидом.

Художники 20 века

20 столетие было богато на яркие события и творческие личности. Для будущих поколений этот век навсегда отразится в творчестве художников той эпохи.

Одним из величайших художников называют Пабло Пикассо. Родился мастер в Испании и уже с ранних лет проявлял тягу к творчеству. Развитию таланта способствовало и то, что впервые с рисование будущую знаменитость познакомил отец. Первый шедевр появился на свет, когда юному художнику было всего 8 лет. Работу назвали «Пикадор». Она сопровождала автора во все поездки до конца его дней.

Родители мальчика были вынуждены постоянно переезжать. Они старались дать сыну самое лучшее образование, насколько это было возможно с постоянными переездами. И маленький Пикассо радовал их своим рвением и способностями.

Оказавшись в Барселоне, Пабло познакомился с удивительными людьми, которые впоследствии стали его друзьями. Один из его единомышленников покончил жизнь самоубийством. Это отразилось и в творчестве Пикассо. Этот период был пронизан тематикой смерти и старости. Именно тогда родились шедевры «Любительница абсента» и «Женщина с пучком волос». На их создание автора вдохновили девушки из низших слоев.

Следующими вдохновителями становятся артисты из бродячих цирков. Пикассо создает целый цикл картин, известной из которого является «Девочка на шаре».

Живописец увлекается формой, забывая про цвет. Так рождается новое направление искусства – кубизм. В создании шедевров Пабло использует различные материалы и инструменты, приглашает натурщиц, экспериментирует.

Перед началом войны картины художника были пропитаны пацифизмом. После трагических событий приходит счастье. Мастер женится, у него появляются дети. Семья становится источником вдохновения.

Уходит из жизни Пикассо в 1973-м году.

Еще одной ключевой фигурой 20-го века в искусстве становится Николай Рерих. С юных лет он показал себя как творческий и всесторонний человек. Он быстро осваивал науки, с легкостью сдавал экзамены, интересовался живописью.

Это интересно:  М.В.Ломоносов ученый, поэт, художник, гражданин

По настоянию отца Николай становится юристом. К мысли о том, что творчество должно стать его основным занятием художник приходит после встречи с Куинджи.

Однако история навсегда осталась ключевым моментом в жизни Рериха. Он создал целый цикл исторический картин про славян, где постарался показать моменты их повседневного быта.

Решающую роль сыграла и супруга Рериха, которая была его опорой и поддержкой, помогала в работе, сопровождала в путешествиях.

На закате дней Николай часто рисовал пейзажи, создавал декорации. Основной тематикой его работ стала Индия. Именно там художник и умер в 1947-м году.

Презентация по изо «Художники России 20 века»

Описание презентации по отдельным слайдам:

Художники России XX века Выполнила Максимова М.В.

XX век принес смятение в умы, и свежий ветер перемен ворвался в искусство. Образовалось множество новых течений со своими эстетическими воззрениями и манифестами. Футуризм Кубизм Дадаизм Фовизм Экспрессионизм Абстракционизм

Подлинный художественный дар не исчерпывается и не ограничивается рамками направлений и группировок. Настоящий талант многогранен и индивидуален. Россия XX века подарила мировой сокровищнице изобразительного искусства яркие имена, украсившие отечественную и всемирную историю.

Сейчас мы отправимся на экскурсию по картинной галерее, где вновь встретимся с выдающимися российскими художниками 20 столетия, с их потрясающими творениями.

ГРАБАРЬ Игорь Эммануилович (25 марта 1871, Будапешт — 16 мая 1960, Москва), русский художник и искусствовед. Видный мастер позднеимпрессионисти -ческой живописной традиции, ставший в то же время и самым авторитетным в первой половине — середине 20 века историком русского искусства, выдающимся музейно-реставрационным экспертом.

И.Э.Грабарь «Февральская лазурь»(1904г.) Для его творчества наиболее характерны неброские по мотиву, но чрезвычайно звучные, эмоционально-насыщенные по цвету пейзажи,

И.Э.Грабарь «Неприбранный стол» а также натюрморты, точнее целые живописные куски пространства, где вещи составляют искрящиеся хроматические гаммы

А.А.Дейнека «Мать», 1932 Почти мифологи-ческого величия достигают женские образы («Мать», 1932). Мотивы счастливой страны будущего, — населен- ной прекрасными, людьми, Дейнека находит повсюду.

А.А.Дейнека «Оборона Севастополя» Культ героической смерти с особой силой проявился у Дейнеки в образах Великой Отечественной войны («Оборона Севастополя», 1942, Русский музей).

Произведения хранятся в ГТГ, ГРМ, Курской областной художественной галерее им. А. А. Дейнеки и в десятках региональных музеев бывшего СССР. Пейзаж После дождя . Курск «Текстильщицы». «Будущие летчики» «На стройке новых цехов» «Раздолье».

ПЕТРОВ-ВОДКИН Кузьма Сергеевич Розовый натюрморт Купание красного коня. с яблоками

Стожаров В. «Натюрморт с рябиной», 1967. Стожаров В. «Лен»

Решетников Ф. «Опять двойка» Решетников Ф. «Прибыл на каникулы»

ГЕРАСИМОВ Сергей Васильевич Портрет балерины О.Лепешинской Розы

ГЕРАСИМОВ Сергей Васильевич Мать партизана Лед прошел

«Стиль Пластова», Каждое из его наиболее значительных полотен — это, по сути, целый этап российской истории, выраженный в жанрово-будничном облике. Картина «Фашист пролетел» (1942) с убитым из нацистского самолета мальчиком-пастухом, лежащим на фоне осенних перелесков и полей, воплощает идею чудовищной противоестественности войны, равно как и скорбь обо всех бедах, обрушившихся на деревню в целом. Мажорный «Сенокос» (1945), где группа крестьян выкашивает залитую солнцем лужайку, зримо выражает те радостные социальные чаяния, что всколыхнулись с победоносным окончанием войны. Наконец, простая сценка с голой молодухой, выскочившей из баньки на талую землю, чтобы одеть маленькую дочку («Весна», 1954, все в Третьяковской галерее), была закономерно воспринята публикой как поэтический образ надежды, сопряженной с начавшейся политической «оттепелью».Среди лучших его послевоенных произведений — «Ужин трактористов» (1951) и большой, многолетний цикл портретов односельчан. «Стиль Пластова», сочетающий живописную свободу кисти с меткостью жанровых и пейзажных наблюдений, способствовал сложению целого художественного течения, поставившего в центр своих интересов русское село, его традиции и современность (литературный аналог этому — «деревенская» проза В. И. Белова, Б. А. Можаева, В. Г. Распутина и др.). Параллелям с литературой способствовал и тот факт, что Пластов плодотворно работал и как художник книги (иллюстрируя Л. Н. Толстого, А. П. Чехова и других авторов).

ПЛАСТОВ Аркадий Александрович Фашист пролетел. 1942г. Сенокос. 1945г. Полдень. 1961г. Весна. В бане. 1954г. Ужин трактористов. 1951г. Девушка с граблями. 1951г.

ПИМЕНОВ Юрий (Георгий) Иванович [13 (26) ноября 1903, Москва — 1977], российский живописец, театральный художник, график. Народный художник СССР (1970), действительный член Академии художеств СССР (1962). Член-учредитель ОСТ. Ленинская премия (1967). Государственная премия СССР (1947, 1950).

ПИМЕНОВ Юрий (Георгий) Иванович «Дальняя дорога». 1959 Новая Москва. 1937г. Инвалиды войны. 1926г. Даешь тяжелую индустрию! 1927г. Любовь к трем апельсинам`. 1971г. «Свадьба на завтрашней улице», 1962

Статья написана по материалам сайтов: 8-poster.ru, www.adme.ru, www.adme.ru, www.mir-master.com, infourok.ru.

«

Помогла статья? Оцените её
1 Star2 Stars3 Stars4 Stars5 Stars
Загрузка...
Добавить комментарий